关于李安的120帧电影，你或许要了解这些

120帧技术下，电影中的动作和表演细节，得以充分捕捉和体现。但新技术是什么，故事该怎么讲，李安也还在摸索，或许只有时间才能证明他探索的成败，一如当年的乔布斯。...

李安的120帧电影就要在国内上映了，点映场之后，众说纷纭，新技术的尝试总伴随各种风险。看完电影，我忽然想起当初乔布斯推出iPad和iPhone时的景象，关于取消实体键盘，取消手写笔，取消外置天线，不可更换电池……种种举措也引起巨大争议。多年以后，逝去的乔布斯已被推上神坛，谁还记得当初言之凿凿的骂声呢？诺基亚、摩托罗拉和爱立信都已成为往事。和从前一样，我想在这里谈谈李安新片的一些重要细节所在，无论正确与否，少一点随口而出的评议，多一点思考和尊重，对行业来说这是好事。

《比利·林恩的中场战事》由于采用了前所未有的120帧拍摄技术，预告片放出后，当时外界的期待值达到了最高点。李安的上一部作品《少年派的奇幻漂流》同样采用了大量数字制作新技术，无论是在视觉还是故事上，都获得商业和专业的一致认可，李安第二次拿到了奥斯卡最佳导演。如此成功先例，所有人都希望安叔能够再次奉献经典，故事与视效俱佳。可是新片北美点映之后，影片的评论口碑不乐观，大多数人都肯定了安叔在新技术上的勇于探索，但对影片本身表示失望。

有幸在博纳悠唐提前看了24帧版本的点映，虽然不是120帧版本，没能完全感受新特效，不过从部分镜头画面、剪辑和场面调度上，也能体会新技术的冲击力。李安还是那个李安，只是大家的期待因为“少年派”的缘故，以为又是一桌好看又好吃的满汉全席，但安叔这次带来的是一桌怀石料理，重在回味，和上一部完全不同。120帧技术是此次“比利·林恩”的最大卖点。很多人不清楚120帧技术到底是什么，在影院中又会有何不同效果。实际上，帧数的提升早已有之，只是没有被大家注意而已。

电影的帧数，就是画面数。大家所熟悉的24帧电影，就是每秒有24格画面在人眼前放映，由于视觉的停留效果，形成了连续动作的影像。但大多数时候我们谈帧数，往往是谈播放的帧数。实际上帧数的问题，包含“拍摄”和“播放”两件事，用多少帧速率拍摄，和用多少帧速率播放，如果探讨高帧数电影的制作，这两点都不能落下。自电影诞生以来，24帧/秒的设定，在制作成本和视觉效果上体现了合适的平衡性，因此成为主流技术参数设置，沿用至今。不过随着技术的进步，突破24帧，追求更高帧数的尝试早已有之。例如彼得·杰克逊在《霍比特人》中，就采用了48帧的拍摄技术，并在小范围内播放了48帧版本。

帧数的提升，意义在哪里呢？首先是拍摄上可以获得更加清晰和连贯的影像。高帧数拍摄条件下，被拍摄物体的动作被分解成更细致的图像，从前一秒内的一个动作只能拍摄24张画面，现在可以拍成48，乃至120格画面，动作被分解的更细致，同速率放映会让影像变得更加清晰连贯，演员的表演也会受到更少的限制。举一个著名的例子，一代功夫宗师李小龙，当年在拍摄中就经常被摄影师要求“打慢一点”，原因就是在24帧的拍摄下，李小龙过于迅捷的动作，摄影机拍摄速率跟不上，一帧的单独画面上出现了虚像，放映出来也是模糊的影像。因此如今能看到的李小龙电影作品，实际上都是龙哥刻意放慢动作的结果。即使如此，李小龙的动作在电影中也经常留下一道虚影，他究竟能有多快，只有目击者知道，实在是个遗憾。



或许有人问，既然24帧画面抓不住李小龙的动作，那当初提升拍摄速率不就可以了？理论上的确如此，可在胶片时代，提升速率，意味着成本提升，原先每秒24格胶片拍摄，提升到48格，首先耗用的胶片数量就翻了一倍，更不提后期洗印、剪辑制作的工作量和成本。即使如今数字摄影已成为主流，用高帧数制作电影，成本的提升依旧非常大。因此高速摄影技术早有之，例如纪录片中就常用高速摄影，可以将蜂鸟悬停时的每一次振翅拍摄得清清楚楚。但在商业应用上，成本太高，不常采用。

拍摄的帧数提升之后，那么新的问题就来了。光有高速拍摄的设备还不够，还需要有高速播放的设备。高帧数的影片，影院也需要更新器材，每秒48格的拍摄，需要有每秒48格的播放，否则在24帧的器材上正常播放，人物的动作速度会降低一倍。很多电影中的慢镜头，尤其是纪录片中的高速慢镜，就采用了这种升格拍摄，正常播放的做法。观众可以看清银幕上的每个动作细节。另外一个折衷的办法，就是针对24帧播放器材制作相应的版本，采用“抽帧”的办法，在相邻的两帧画面中删除一帧，代价是降低了影像的流畅度，严重降低了高帧数拍摄的影像效果。

高帧数的电影播放画面，结合现在已经成熟的4K和3D画面技术，可以获得更清晰连贯流畅的观影体验，以及更强大的临场感。直观的说，就是如果李小龙在世，那么我们可以看到他更迅捷凶狠的打斗，一秒钟打多少拳，踢多少脚，在120帧的技术条件下，都可以被抓取的清清楚楚，而且就在你眼前。在“比利·林恩”中，比利所在的小队向恐怖分子的建筑发射AT4导弹，观众可以清楚看到导弹离开发射筒的一瞬，弹体出膛，清晰的后喷焰，发射手因为后坐力而后仰，如同身临其境。



120帧技术条件下，电影中动作和表演丰富细节得以完全捕捉和体现，观影的临场感和冲击力与从前不可同日而语。对视效和动作成分越来越吃重的现代电影来说，这是个绝大的好消息。当然，也是个绝大的坏消息——太烧钱。无论是拍摄，还是播放，高帧数的拍摄，高清晰度的画质，意味着从摄影机到影院放映器材，统统要换。除非有很大的把握或者超级狂人，影院不会做这样的选择。例如IMAX拍摄和播放技术早已出现，但直到卡梅隆十年磨一剑的《阿凡达》以一己之力将IMAX技术推广到用户眼前，这个技术才成为影院主流应用，观众从此3D电影非IMAX不看。

所以，《比利·林恩的中场战事》远非一部电影这么简单，这意味着电影拍摄和播放技术的全新升级，让市场用户见识120帧技术能达到的视觉效果，对未来有更高期待。只有李安这种级别的导演，才能做这种先驱，用他的号召力和影响力带动从拍摄制作到院线播放的全线设备更新。就像当初卡梅隆的《阿凡达》，带动了3D和IMAX技术的应用普及。无论这次影片的成败如何，李安将和詹姆斯·卡梅隆一样，永载电影史册。120帧技术这么好，是不是什么电影用这个技术都立刻焕然一新呢？并不是。电影的好坏不光受技术影响，讲了一个什么故事，怎么讲，这也很重要。前面已经提到了，120帧技术的优点在于对表演和动作细节的捕捉还原。强调视觉效果的动作片、科幻片和战争片，以及强调演员表演能力的剧情片、文艺片会更适合高帧数拍摄，而惊悚悬疑类型电影，就不太适合，过于清楚的细节会损害影片的恐怖氛围。

《比利·林恩的中场战事》在故事情节和手法上类似克林特·伊斯特伍德的《父辈的旗帜》，不同的是，伊斯特伍德拍摄二战，李安拍摄伊拉克战争，时代背景不一样，人心也不一样。采用的手法和思路，也有很多细节差异。

《父辈的旗帜》是一部大众所熟悉的传统模式“战争片”，无论是万舰齐发的大场面，还是小队攻占地堡的区域战斗，战争从宏观到微观都得到全面覆盖，激烈的动作场景非常多。而《比利·林恩的中场战事》，观看时我计算过，全片长122分钟，其中战斗场景加起来大约20分钟，剩余时间在讲述比利·林恩这个毛头小伙为何入伍，在军队中经历了什么，成为英雄后又如何面对外界的诱惑和压力。室内和近景戏很多，对话和情感交流是重点。最能体现120帧技术效果的战斗场面，比重不高。

动作戏不多，120帧新技术拍摄该怎么用，李安在努力探索一条新路，这使得他在故事的设计，镜头的运用上追求变化，突出细节。例如在影片中，出现了大量演员直面镜头的对话和表演，这种手法在戏剧表演中常见，为的是打破所谓的“第四面墙”，让剧中人与观众形成直接沟通，提升观众代入感。在电影中，这种手法是双刃剑，有时会显著提升观众的代入感，有时则容易让观众“出戏”。文艺片经常采用这种手法，例如许鞍华的《黄金时代》，开场就是女主角面对观众的一番自白，结果就导致观众感觉“像话剧”。相比之下，《阿凡达》中也有不少男主面对观众独白的镜头，但卡梅隆的处理手法是将这个场景设置成留存视频日记，将剧中人与观众的沟通给了一个合理的情境，没那么突兀。

李安对于直面镜头独白的处理手法，是用剪辑进行对比，强调一种“言不由衷”的感受，体现整件事情被操纵的虚伪。例如预告片中有个镜头，是比利·林恩面对国旗，全场高唱国歌的情境下热泪盈眶，高帧数的环境下，面部更丰富的表情细节有更强的爱国主义感，但在影片中，下一秒就是他在臆想与邂逅的啦啦队美女滚床单，形成一种对崇高主题的揭穿。这种讽刺手法他使用了好几次，效果很强烈。



除了对镜独白的手法，李安的另一个重要手法是低机位抵近拍摄，重点体现演员的面部和肢体动作细节，增加临场感，提升表演的冲击力。例如片中德州石油大亨来卖情怀，被比利的队长强硬顶回去。队长一板一眼，声色俱厉，石油大亨面目僵硬，进退不得，金钱与情义的剧情冲突在表演中得到最大体现。即便是24帧版本，现场的剑拔弩张都扑面而来。

至于影片中20分钟的战斗场面，诚实地说，时间太短，不够精彩，缺少多角度，大全景的表现。本来战斗场景就不多，拍的还都是近距离。除了一场肉搏手刃恐怖分子的戏有足够视觉冲击力，其他时间都感觉“不激烈，就是乱开枪”。不过看完之后和朋友讨论，他一句话说服了我，“多机位？大全景？交火追拍？你需要几台摄影机？景需要有多大？”120帧拍摄，本身已经将成本提升了好几倍，战争场面太烧钱，估计是资金的限制，逼得安叔不得不削弱战斗戏份。

可以看到，无论之前的预告片，还是宣传材料，“比利·林恩”被暗示为一部类似于《父辈的旗帜》那样的战争片，至少是一部像《美国狙击手》那样动作和反思兼具的电影。可实际上，李安拍的，还是像《断背山》或者《色戒》，强调人物内心挣扎和成长的电影，而非一部处处爆炸的动作片（有趣的是，电影中也有一幕嘲讽好莱坞爱拍“轰轰轰”无脑焰火电影，至于嘲讽谁，不用明说）。120帧技术只是为了更强烈体现故事的感染力。但故事该怎么讲，李安也在摸索。“比利·林恩”到底讲了一个什么故事呢？毛头小伙比利·林恩因为姐姐车祸受伤，而已经订婚的姐夫抛弃了她，痛打姐夫。不被追责的代价是必须应征入伍当兵。不知为何而战，他在军队中陷入了迷茫，幸好他遇到了一个好班长，带他走出困境，成为合格的军人，在激烈的战斗中为了营救班长拼尽全力，这一幕被战地记者拍下之后，意外成为战争英雄。但成为英雄的代价是班长的死，他为此心怀愧疚。回国参与宣传，比利又遭遇姐姐的亲情召唤，啦啦队美女的爱情，以及好莱坞影视大亨要他抛开战友，单独出售故事版权的财富诱惑。短短的几天之内，他被逼到了进退两难的境地。最终他看清了自我，战胜了诱惑，带着感伤回到战场，完成一个军人的职责。从一个毛孩子成为一个男人，正如李安一贯的作风，他讲述的是一个少年在种种压力诱惑下的挣扎和成长。



比利·林恩的故事是李安最擅长的题材，《卧虎藏龙》中的玉娇龙也是如此。成长和觉悟，是李安电影绕不开的话题，他有能力把这个过程拍的细致入微，打动人心。如果将这部电影定位成一部战争背景的文艺片，那可以说是完成度很高的作品。如果观众带着“看打仗”的娱乐预期进场，恐怕就要失望了。正如《卧虎藏龙》不是一部传统意义上的武侠片，而是武侠背景的文艺片。李安不是迈克尔贝，或者汤姆克鲁斯，他是独一无二的李安。

问题是，我们该如何接受他的故事？特别是一个前所未有新技术讲述的故事。

我至今记得，《卧虎藏龙》问世之后，很多人都说，这不是中国武侠，缺少拳来脚往，江湖血性。打的不激烈，演的不痛快。多年之后，我们才明白，李安讲的那个江湖，是人心处处不得自由的现实江湖，竹林梢头，京城飞檐上的飘逸打斗，背后是人性的冲突和挣扎。如今的《卧虎藏龙》，是中国武侠电影无法回避的经典。

比利·林恩也一样，他会严格遵照班长的命令行事，但班长战死，轮到他自己选的时候，这个大男孩茫然无措。亲情、爱情、金钱、恐惧，以及军人的职责，放在中国可能一句“为国尽忠”就能涵盖所有，但对美国人来说，自由的体现是可以说“不”，以及为什么说不。明白这个含义，需要经历很多痛苦。人心的现实挣扎，对中国观众是个难以直面的话题，这需要时间来消化，一如当初的《卧虎藏龙》。

另外，《比利·林恩的中场战事》对于中国观众来说，有个北美观众没有的巨大障碍，就是对战争的体验认知。因为本片中，人物压力的一个重要来源，是对战场杀戮的恐惧。美国这些年来从来没有摆脱过战争，从伊拉克到阿富汗，以及各地无所不在的恐怖袭击，战争氛围对美国观众一直如影随行。因战争产生的社会问题，例如老兵的战争后遗症PTSD（战场创伤综合症），是北美观众熟悉的概念。这些问题带来的痛苦和挣扎，美国人都不陌生，每个城市都有战死或者伤残的军人，更不要说“911”事件给美国人带来的长久不安全感。

但中国不是美国，我们如今的和平一代，对于战争的观感大多来自电视新闻和电子游戏，“刺激好玩”，而非恐惧，才是第一感受。因此比利·林恩的心理挣扎，中国观众会很陌生，难以理解他的行为动机。例如，片中吃饭时邻桌拍了桌子，这声巨响让比利的整个小队都跳了起来，经历过战争的军人，对巨响的反应是枪响或者炸弹。这个举动对于中国观众如果不解释，能够迅速理解的人并不多。此类文化和社会背景隔阂，是中国观众观影时的隐形门槛。PTSD对于中国人来说，只是一个英文单词，只有经历过的人，才知道那到底意味着什么。战争的伤痛，我们可以理解，却少有人真的感同身受。



120帧《比利·林恩的中场战事》该如何看待，台下观众年龄不同，经历不同，文化层次不一，对亲情、财富、爱情和死亡的看法也不一致。因此对故事很难会有相对统一的评论。在视效场面上，电影没有“少年派”那么灿烂夺目，但会更清晰，照进人心，把优点和缺点更凶狠地丢在观众眼前。观影后，李安留给我们的思考和讨论，会有很多。

无论最后市场反响如何，李安导演对新技术应用的伟大探索和突破，都需要给予崇高的敬意。对于电影、战争和人性，他带领我们又向前走了一大步。飞鸟冰河：有理想，有温度，有水准，关于这个世界上的电影和现实，在这里和你们一起凝望。我是飞鸟冰河，祝大家平安。

    关注 微文阅读推荐