设计大咖 黑川雅之和他的设计世界

黑川雅之(Masayuki Kurokawa)，世界著名的建筑与工业设计师，被誉为开创日本建筑和工业设计新时代的代表性人物、称为日本设计圈的达芬奇，他的创作横跨建筑、室内、家具以及产品设计，是日本少见跨领域的设计大师。...

世界著名的建筑与工业设计师，被誉为开创日本建筑和工业设计新时代的代表性人物。他成功地将东西方审美理念融为一体，形成优雅的艺术风格。著名的美国纽约现代艺术博物馆将他的作品列为重要馆藏物。他设计的作品主要有灯具、照相机、饰品、手表、工业产品等。

「PANDORAの箱」 （潘多拉）装载爱与希望的潘多拉盒子，想使人在打开盒盖时有预想的兴奋。这个箱子的尺寸是根据斐波那契数列而来，这个数列呈现螺旋及花种排列，具有数学性美。



「数学的なテーブルと椅子」（数学的桌子和椅子）这个桌子的桌梁部件与桌腿部件的粗细一样，像一条线那样穿越空间，椅子所有部位的粗细也一样。为使框架数学化，让桌子看不到特别的意义，桌面采用玻璃。采用组合装配式设计。



「三本脚の象」（三腿象）如果以三角形坐的话，三人的视线朝前，不会对立，关系融洽。胖墩墩的“小象”椅，后背憨态可掬，如象宝宝的背影，人见人爱，座椅的形神气质如小象般温和、踏实并带有趣味性。





这组笔盘组是日本设计大师-黑川雅之作品让人印象最深刻的了！简约线条如鱼饵狭长般造型的笔，因為橡胶材质让人握起来非常舒服，笔尾细尖的方式收尾，笔头可以轻易转开，笔芯可以随时作更换。笔盘有大小二个尺寸，不仅可以把平时常用的文具用品一起收纳在笔盘上，笔盘也能作纸镇使用。还有如弦月般外型的拆信刀，一样也展现了优美型体。



以打磨光滑的木托盘为基底，镀上一层薄薄的金，独特的木纹没有被遮挡，反而借助金变得有光泽起来，透出一层优雅高贵的金光。







过去茶道用的加热器主要通过铸铁生产。现在已不再有这种需求了，有必要将其技术应用到现代的生活用具上。在此发现了不能销售的大量库存茶壶盖和把手，于是产生了利用它们去制作现代的铁壶的想法。铁壶盖和把手本身就是优秀的工艺品。



该作品是日本的传统手工艺与现代设计的完美融合。壶盖及把手利用现有的库存，由黑谷哲雪制作。此壶可用作茶壶或酒壶。内部附有过滤器。根据用途不同可以随意安装或取下。并且搭配具有一体感的底座。

“身体的八个概念”可以视为黑川雅之归纳的八种东方审美意识，与他的产品设计发生关联。



K是日本建筑家黑川雅之（MasayukiKurokawa）的家居品牌，它的Logo是三个浓黑的三角形，分别朝向不同的方向，组成代表黑川姓氏的首个字母K。还是大概40年前，黑川雅之开始成立自己的建筑事务所时，平面设计师石冈瑛子为他作的设计。出于一种特殊情感，即使数十年后成立新品牌，他仍然沿用了这个Logo。

差不多相似的年代，石冈瑛子还为黑川的产品系列Gom做过一个Logo设计，也是浓黑的色彩，中间空心的黑色“甜甜圈”加半个圆圈的字母g，同样中空圆圈的o和几个长方形构成的M，组合在一起给人既抽象又新鲜的感觉。

是不是石冈瑛子在几十年前，已经预料到她的朋友在日后的产品设计中对几何形的偏爱？北京三里屯西五艺术中心“黑川雅之和他的品牌K”展厅里展示着他几十年来的作品，令人印象最深的还是各种材料中反复出现的几何形：纯圆的金箔或银箔餐盘，长方形或正方形的铸铁器皿，白色有田烧餐盘是大大小小的圆圈，与中国品牌HC28合作的漆器托盘按照A3、A4等纸张尺寸略作修改，神秘的“潘多拉”盒就像浦岛太郎的盒子一样，可以隐藏许多故事，盒子的尺寸是基于斐波那契序列决定的……从这些凝练简约的产品与数学比例的密切关系中，似乎让人窥见某种美的定律。

黑川雅之1937年出生于日本名古屋的建筑世家，1967年获得早稻田大学建筑工学博士学位，他的兄长黑川纪章是日本最著名的建筑家之一，以“共生思想”理论蜚声世界。也许不希望处于黑川纪章盛名的阴影下，黑川雅之从上个世纪80年代开始，逐渐把重心从建筑转移到产品设计上。建筑师受过力学、结构、空间及材料学等专业训练，从事产品设计也容易取得意料之外的成果。

1972年的“GOM”系列是第一个为黑川雅之带来国际声誉的设计，以黑色的橡胶为主体，结合锃亮的不锈钢等金属材料，变成刀具、烟灰缸、圆珠笔、座钟等，磨砂质地的橡胶材料具有柔软的触感，就像人体的肌肤。至今这一系列仍在生产和销售，并成为纽约现代艺术博物馆的永久藏品。

上世纪70年代是塑料和金属的全盛时期，也是注重视觉美感的年代，而GOM第一次以“材料”这个关键词登场，对于黑川来说带有向现代主义挑衅的意味。在他看来，如果说现代设计是日耳曼的理性审美意识和基督教价值观下白皙光亮的形象，而橡胶吸光的、黯黑的表面含有危险和不安的成分，黑色暗影有坏的意味，似乎是对明快现代设计的一种对抗。

另一方面，黑色经常与高贵、欲望、死亡等含义联系在一起，暗合了日本黑暗及阴影的审美意识。由于橡胶材料柔软，所以Gom的产品大多选择了直线和圆弧组合的简单形状，柔软材质和坚硬形状产生出冲突与破坏的美。“所谓美并不是和谐，而是出现在和谐被破坏的瞬间。”黑川雅之说。Gom的新系列中，他尝试用白色珐琅来代替过去的不锈钢，来柔化不锈钢给人的机械感。

产品日益泛滥的时代，“人与工具、人与物品”的关系日趋重要。首先，物品可以被视为人的身体的延伸，因此具有了某种身体性。每件物品向周围散发其独特的韵味，这种韵味在物与物之间相互作用，继而形成“空间”。所谓环境设计和室内设计，就是如何将这些物品组合在一起。他写道：“所以，设计最重要的是通过款式、材料及材料的原始意义，将该物品周围的独特韵味表现出来。设计物品其实就是设计其独特的韵味，在人的内心深处引起共鸣。”

最近出版的中文版《素材与身体》一书中，黑川雅之集中阐述了自己对橡胶、木材、玻璃、瓷器、皮革等20种设计材料的理解和运用。其中一些是工业材料，拥有知性透明的美、犹如清澈晨曦般的铂金，从内部传递出火焰热度的铸铁，表面像是凝固了的水的玻璃，还有柔软有弹性的硅胶，能够把如人体肌肤般的触感、如微生物的透明感和如机器人般的未来感融合在一起。

另一方面，自然材料包含了时间的记忆，这是工业制品所不能替代的，也是经常被黑川雅之使用的素材。像软木制成的凳子，柔软又有弹性的软木具备一种天然的温暖感觉；像桐木制成的移动橱柜，轻便的桐木是一种贴近生活的材料，适合用在以榻榻米和拉门间隔的日本房屋里。漆的光泽之美培养出“光与暗影”这一代表性的日本审美意识，他的春庆漆木碗将高山县的传统漆器技术用于现代设计，或者在铁器烛台的内层涂上红漆，用黑铁的粗糙对比红漆的柔滑。

日本房屋结构简单朴实，注重木材、纸、土等自然材料的使用，重要的不是形状，而是材料和存在本身。日本人认为“正是由于与自然融合的一体感，与自然共存亡才是最美的”，由于崇尚“虚幻之美”，所以，泥土、木材、纸等易燃易坏的材料被广泛用于日本人的日常生活中。

曾在纽约举办的“新的茶道”展览中，黑川雅之设计过一间名为“萤－BETWEEN”的茶室。整个茶室用半透光的和纸作为空间分隔，取名为“乌鸦”的屏风是用传统方法印染的墨纸糊成，形成一种暧昧迷离的感觉。茶桌也是和纸糊的，采用了纸拉门的样式，灯光从方格格栅中透射出来，它既可以用作表演茶道的桌子，也可以用作展台。

结合传统的手工艺与现代感的设计，最有代表性的作品系列是他的Irony铸铁壶系列。沙模铸铁本身记录了铁的演变过程，在铁的表面能够清晰地看到这一时间留下的痕迹，既粗糙又美丽。铁壶采用立方体、圆柱体等基本几何形，由日本山形县清光堂第十代传人佐藤琢实制作。半月形的把手就像从壶上升起的半个月亮，在使用过程中达到圆满。壶盖上有银质和铜质两种不同的雕刻壶钮，是已故的富山高冈工匠遗留下来的。虽然岩手县是日本著名的铁制品产地，但那里的生产数量大于质量，而山形的铁壶工艺以质量取胜，经常出现在茶道仪式中。

“身体的八个概念”是黑川雅之《素材与身体》一书的重要组成部分，这八个概念也可以视为他所归纳的八种东方审美意识，与他的产品设计发生关联。“偶然”与“缺陷”是其中两个概念，木纹的肌理带给人们偶然的效果美，超薄的玻璃杯给人易碎、虚幻的感觉，引起人们的怜惜之情。所以，“发现偶然才是创作的真谛，也就是静待偶然发生的美的瞬间。人的存在是不可靠的，令人感动的美是在不可靠的偶然下引导出来的”。所以，“缺陷里其实隐藏着大自然的秩序，里面裹有自然美、意外的感动，还有放松身心的瞬间”。

以沙模铸铁为例，由于沙模本身的不稳定性，计划得再好，最终也可能做不出稳定有形的东西。但人们还是不会放弃沙模而转向金模，因为在沙模的不稳定性中，能够显现出自然之美。瓷器制作也是一样，好的作品带有很大的偶然性，上等的瓷器可能是从几十件乃至几百件瓷器中“偶然”产生的。

有一张照片深受黑川的偏爱，那是几百只正在天空飞翔的小鸟，组成一片密密麻麻的黑点。看似个体的小鸟之间，保持着一种自然的、本能的关系，让整个群体有序地向前移动。

“身体的八个概念”中同样包含了相互呼应的群体关系，除了“偶然”、“缺陷”，还有“暧昧”和“沉默”，世阿弥在谈论日本传统艺术“能”的表达方式时说“含而不露才是美”，设计中也一样，不需要表达得太多，留给观赏者和使用者想象的空间，让材料当主角，让款式简单化，通过视觉上的沉默突出材料的作用，唤起人们内心深处的记忆。

与“沉默”一样，暧昧也是促使他人参与到创造中的一种手段，就像用途不明的物品，含而不露的表情，隔窗隐约可见的房间，被浓雾笼罩着的森林景象，一切都刺激着人们的感官。黑川雅之设计过一款名为Kiri的手表，镜面上是一层朦胧的砂质玻璃。从外面射入的光线被镜面反射，出现了晨雾笼罩下的天空一般的神秘光泽。

• 三联生活周刊：你在《素材和身体》一书中讲到身体性的八个概念，这八个概念对你来说是一种审美意识还是具体的工作方法？
• 黑川雅之：如果我们说西方哲学是“树形”的完整体系，那么东方哲学是点的思维，点与点之间有内在的联系，从空间上说是连在一起的。虽然我也理解西方文化，但东方的思想让我产生了自己的美学观念。不是说我用这些观念去指导我的设计，而是在设计过程中慢慢形成，再反馈到作品中。这些观点各不相同，其中又包含了共性，就像我的设计作品一样，表现形式不同，内在是一样的，彼此既有独立性又有连贯性。
• 三联生活周刊：你在书中说：“物体实实在在存在着，这是安心的原点，也是设计的原点，设计是全身心感受到这种安心和舒适感。”是不是也可以反过来说，设计师应该是舒适安心的人，才能把这种感觉传递出来？
• 黑川雅之：其实我在做设计之前，先要保持不安。我一直把人与生俱来的恐惧和不安作为设计的原点，然后才有可能创作出让人安心的作品。把不安转换成安心，接着又有新的不安，循环往复。作为设计师，就是如何在不安和安心中找到契机，把想要表达的东西表达出来。
• 三联生活周刊：这种从不安到安心是怎样的转变过程？
• 黑川雅之：举个例子，让人置身于空无一物的房间里，内心总会陷入不安，如果放上一把椅子，就会多少产生一种安心感。建筑就是给人带来安心和呵护的空间，其他生活用具也是如此，这就是人和建筑、物体的关系。即使我设计一个烟灰缸，也是把它当作这样的生活道具，放在那里让人安心的东西。我先感受了不安，才设计出那种安心。
• 三联生活周刊：在你多年的作品中可以感受到很强的几何性，对几何形状的运用是否是一个反复提炼的过程？
• 黑川雅之：其实几何形就是能给人带来更多安心的造型，但是，如果做设计的时候只是把圆、方、三角等几何要素放在里面，作品会比较枯燥，所以我会把圆变成椭圆，把三角变成异形三角等，有时候把安心的几何形变成令人不安的形态。设计包含计划、标准化、安定性、耐久性、生产、量产等要素，综合起来就是企划出来的人为美，是戴着锁链的舞蹈。相比之下，工艺和艺术中包含很多偶然性和唯一性，注重材料感觉，给人带来惊艳之美，我一直在探索两者之间的美。
• 三联生活周刊：你从1967年成立自己的事务所，几十年来的成就是什么？
• 黑川雅之：迄今为止我设计了1万多件作品，它们就像我的孩子一样，我感觉我好像已经活了好几个人生。
• 三联生活周刊：为什么这次决定在北京设立展厅和K&KChina机构？
• 黑川雅之：我第一次来中国是十几年前的事情了，起初仅是因为喜欢，所以经常跑来玩，去上海吃大闸蟹、看友人展览、受邀演讲等等。和中国真正有进一步联系是成立设计品牌K之后，我的产品让我拉近了与中国朋友的距离。我一直以日本人自居，渐渐也开始称自己为亚洲人，同时顺着历史钻研东亚共通的美学观念。中国是亚洲的中心，北京又是中国的中心，能在北京这样的城市展示作品是我一直的想法，这次也是为了实现这一心愿而来，我特别希望能够和中国的关系再深入一些。
• 三联生活周刊：你认为21世纪亚洲文化的影响力将越来越重要？
• 黑川雅之：以基督教为主导的欧洲文化，以人为中心的美国文化，以自然为主张的东方文化，这三大文化正好在相似的纬度上，这可能是偶然，也可能是规律。世界的中心曾经在欧洲，逐渐转向美国，而我预感将来亚洲会成为世界中心，变成21世纪的文化主流。所以，最近十年来我一直提倡东方文化的复兴和强盛，我想亚洲文化将来会影响整个世界。

除了设计，黑川雅之也出版了大量著作。其中，《日本的八个审美意识》中对日本美学的系统性总结被许多人认为是设计人不可不读的圣经。黑川雅之将这八个意识总结为：微、并、气、间、秘、素、假、破。它们是没有任何主次的，属于并列互补的关系。日本有一句成语叫「一期一会」。 阐述的是，现在能够与这个人交流的瞬间，不会再重来。所以，要更加珍惜眼前的这个时间，这个人和这个地方。他们不会考虑从长远的角度来看待与这个人的相见对自己有什么意义，对未来的自己是否有利，也不会觉得，反正以后还会再见，今天差不多就得了。这个理念的精髓是：眼前，这个瞬间，与这个人的关系，就是值得珍惜的一切。

眼前的这一瞬间包含了过去和未来，这就是「微」的精髓。

你无法看全北京，即使从北京上空也俯瞰不到全景，假设看到了全景也不可能用身体感知到北京的一切。但是你现在所在的北京的「这里」， 却蕴含了北京的一切。可以感知到北京的空气，感知到它的味道，因为这里就是北京。可以说「这里」在这个点上，才展现了实际的北京。



这组作品名为 Nextmaruni ，是黑川雅之根据「请根据日本的审美意识设计椅子和桌子」时的作品。日本设计的风骨在这组作品的细节中体现得淋漓尽致。在设计中，作品的细节和统一的整体是不可分割不可单独呈现的部分。作品在谋求创新独特的同时也要使作品和谐、不突兀。要做到在细微的人、物、地点等个体中包含整体，也就意味着从一开始在所有细节当中已经考虑到了整体。

根据每个人的手的大小，能够用着特别顺手的杯子，在尺寸上自然也会有所不同。

不依托于所谓人类的博爱、上帝、哲学之类，而是重视自己的身体感知，这是多么了不起的事情啊。



EGON挂钟|看着像坚硬的瓷盘却能自由弯曲的铅制钟面和利用快速氧化改变颜色的性质，将各个独立的特性组合到一起，非常有特点。另一个重要的审美意识是「气」。日本人所理解的人或物，并不仅仅是指人自身或物体自身，而是「包含了周围空气的人或物」。人会从身体内部向外释放出一种类似于空间延展性的东西，这个向外延展的区域空间被称为气场，气场也属于这个人身体的一部分。 物体也有这个物体向周围影响和扩张的空间，这个被影响的空间也隶属于这个物体本身。

「气」也像是一个人所带动的余韵，对这个人来说更像是一片看不见的领地。



「气」日本人认为万事万物皆有气韵。IRONY 茶壶，黑川雅之的该作品是日本的传统手工艺与现代设计的完美融合。「间」是理解日本审美意识中的特别重要的元素之一，但确实很难解释清楚其真正的含义。恐怕这是属于审美意识和秩序感领域的一种感觉，是无法简单地用西方的合理主义或哲学思想来衡和诠释的概念。

曾经的整体因为偶然的因素被分开成两个，就容易产生一种彼此希望能够回到从前的能量，从而相互吸引，相互召唤。

日本人制造的不是物体本身，而是试图打造出由物件所生成的「空间」。



「秘」CHAOS 双重手表：曾经的整体因为偶然的因素被分开成两个，就容易产生一种彼此希望能够回到从前的能量，从而相互吸引，相互召唤。不是表现全部，而是通过部分的隐秘来驱动对方的创想力。隐藏起来而激发对方的创造力，从一开始就没有考虑让对方按照自己的思路来解读内容，相反是在期待着读者通过自己的主观想象和创造力来加以独立的解读。



潘多拉盒，产品没有表现出事物的所有内容，而迫使人们发挥想象力，并积极参与其中，是一种共同参与的创造性活动，退而求进，阴而求知，默而求解，这都是逆向思维的结果。「素」是保持最朴实的本色之美，是不添加任何杂念的纯真。制作东西时将制作量控制到最少，本着尽可能不添加人工制作痕迹的态度来做，这是实现原创造型的基本思路。完成原创的设计不是去思考如何表达自己的想法，而是探求物体的深层的原型真谛。



日本人简洁的造型背后，是对材质的追求，对素材的重视，否定的是可以的设计制作，注重的是如何将人为的技术“无痕”地表现出来。这种审美意识的主基调是与自然融为一体的感觉，他不会产生固化的城市概念，不会产生建筑的概念，甚至也不会形成家具的概念。它打造的，是产生不息的生命流转的环境。



PLPL 盘子系列作品，体现不去抗拒、顺势而为的美，也有“借”的意思。这就是先生提出审美意识「假」的含义。陶艺是由窑中的烈焰方向流转回转而偶尔生成的美，设计则是预定的协调和计划的美。与流政之先生闭着眼睛用铁锤完成了最后的神来之笔，乐吉左卫门先生也是放弃了创作的计划性，将作品的最后完工阶段交给了火焰和偶然性。



《日本的八个审美意识》配图：乐吉左卫门先生的茶碗。黑川雅之：（学习时）首先要完全遵循既有的规矩方法，进入突破、创新（破）阶段以及融会贯通开始超越（离）的阶段时，也不能忘了根本。

「微、并、气、间、秘、素、假、破」的审美价值观，是黑川雅之先生极具智慧和感知力的思想结晶，黑川雅之绝不只是一位纯粹通晓自己国家审美设计的日本人，更是熟知传统东方文化的大师。只有我们在具有审美基础之上才能发现万事万物美之所在，才能体会到大自然的鬼斧神工，也只有自己对美有所理解有所感悟，才能做出真正的设计。

最后希望大家在闲暇之余能读一读黑川雅之先生的书，去感受、去思考。从而感知精小如茶杯、宏伟如建筑、细微如尘土、宽广如世界之中所蕴含的美。

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