Feminine Art 女性艺术_【917onlinegallery】

安迪·沃霍尔AndyWarhol(1928-1987)《埃塞尔·思卡尔36次》EthelScull...

安迪·沃霍尔AndyWarhol (1928-1987)《埃塞尔·思卡尔 36次》 Ethel Scull 36 Times 1963

众所周知，艺术作品可以被笼统的分为两大类：风景画和人物画。不管我们是欣赏艺术者还是创造艺术者，以人物为主题的作品并不会让我们感到陌生。从2016年4月27日到2017年6年2月2日。纽约惠特尼艺术馆以“人物”（Portraits)为主题，展示了超过200多张艺术作品，占据馆内7和6两层楼，被策展人（DanaMiller)分为11个主题区域。例如馆内7楼被分割为5个主题区域分别为(Portrait Of TheArtist, Street Life,New York Portrait,Cracked Mirror, Portraits Without People)，作品的时期横跨1900s至今天。

虽然展内已经做出了很完美的分区展示，但我却看到了另一种隐形的力量，“女性艺术家”。换句话说，艺术家画笔下描绘出的女性堆积出了另一种情绪。她们，随着时代的变化，也在慢慢的融合与变幻着。

汉娜·威尔克（Hannah Wilke)《S.O.S. Starification Object Series (Curlers)》1974

汉娜·威尔克曾经在美国纽约视觉艺术（schoolof visual arts）任教雕塑。她的作品很难划分规定在某种特定的艺术类别里，也很难通俗与市场化。虽然她受到了抽象表现主义极简主义的影响，但标志性的口香糖“伤口”，完美展现了她对女性美的传统理念的颠覆和理解；她说“口香糖是一种对美国女性的完美比喻——咀嚼后发现她是什么，就把她扔出去，再拿出新的一块”。

Robert Henri (罗伯特－亨利）《GertrudeVanderbilt Whitney》布面油画 1916

罗伯特－亨利是美国“垃圾箱画派”（Ashcan School）的领导者。

什么是“垃圾箱画派” 呢？

美国垃圾箱画派（Ashcan School)：最早此派系起源于1908年美国的费城，美国现代艺术的探索是从题材开始的。因此“垃圾箱画派”是用现实主义的手法描绘城市生活，并表现被中产阶级所不屑的城市平民生活而得此称号。

首先值得一提的是画中的这个女人，这个叫格特鲁德—范德比尔特—惠特尼的女人出生在一个非常富有的名流家庭。有着很高社会期望。她明明可以安安静静的做个富婆，可她却对艺术有着痴迷的热爱与追求。于是她在纽约下城的格林尼治村（Greenwhich Village)拥有着一件属于自己的工作室，她长期在里面做雕塑，并与周边的艺术家建立起良好的友谊。在她的隔壁就是有名的爱德华－霍普(EdwardHopper) 的工作室。然而这个女人最伟大的地方不是说她有一颗追求艺术的心，而是她是一个美国20世纪先锋艺术家们的赞助人，并且创立了惠特尼艺术博物馆（Whitney Museum)。

格特鲁德－范特比尔特－惠特尼 (Gertrude Vanderbilt Whitney), 石灰雕塑

惠特尼委托罗伯特－亨利为她画这幅肖像。对于罗伯特－亨利，这幅画无疑也是具有革命创新色彩的。从绘画角度来说，虽然她摆的pose与画面的结构带着些许文艺复兴时期的味道，或者说马（Manet)画的奥林匹亚(olympia)可是仔细看，我们不难发现，画中女人自信的眼神，坚定的看向我们观众。最重要的是，她的服装，那条绿色的裤子。要知道，在那个时代的大背景下女人是只有穿裙子的资格。也是因为那条绿油油的裤子，惠特妮的老公不允许把这幅画挂在家中，而是一直孤独的被挂在惠特尼在纽约的工作室里。

保罗·麦卡特尼Paul McCarthy 《白雪公主 3》Snowwhite 3 雕塑作品2012

辛蒂·雪曼 (Cindy Sherman),《Secretary》摄影，摄影于1978年，打印于1993年

辛蒂·雪曼是美国知名摄影师，电影导演。她以自己出演所有摄影作品中的主角为特点闻名于世。她23岁移居纽约麦哈顿，在一个非赢利的艺术空间工作。但在那时候她已经开始制作她著名的电影系列作品，也就是她自己在相机下摆pose，模仿好莱坞和欧洲电影女主角。

这张《Secretary》，辛蒂·雪曼阐述并表现了自己的社会立场与各人观点。并与整个繁华的纽约城融为一体。透过窗户，纽约的楼与街成为另一个角色。

辛蒂·雪曼常被女性主义放在一起讨论，然而她却并不这么认为。也许，对于辛蒂·雪曼来说，并没有男人，女人之分。

乔治亚-欧姬芙（Georgia O’Keeffe) ，《Summer Days》，布面油画，创作于1936

稍稍对欧姬芙有所了解的同学们，都会知道对于欧姬芙，沙漠和沙漠中的植物，已然成为属于她的标志。对于欧姬芙来说，动物的骨骼和绽放的花朵被她赋予人性并化为自然界最为真实的生死轮回这一常态。从画面的结构来看，最下面是沙漠，中间是盛开的花束，最上面是鹿的骨骼。这样的画面结构给予一种超现实的感官冲击（surreal）。就像她本人所说：”The bone cut sharply to thecenter of somethig that is keenly alive in the desert.”

植物常常被女性艺术家用作“象征” (Symbol)。女性也总是与花朵有着不可割舍的情愫。不仅仅欧姬妮，对沙漠中绽放的花情有独钟，此次在惠特尼展的出并且在欧姬尼的画旁边，还有另一各女性艺术家，弗洛琳－史黛特海莫（FlorineStettheimer).

弗洛琳－史黛特海莫（Florine Stettheimer)《Sun》布面油画 1931

每年的生日，弗洛琳－史黛特海莫都会为自己选择一种当季的花并记录自己的生日。《Sun》这幅画表现的是她15岁的生日。这幅画需要仔细去欣赏她，第一眼看到，也许并不能理解到画家在画中很多隐藏的小秘密。当视线落在画的最底部，我们可以看到史黛特海莫用蓝色颜料写的名字，然而那弯弯曲曲像蛇的形状被理解为亚当与夏娃的尹甸园中的蛇。顺着蛇的尾端慢慢将视线往上平移，是的，那里是日期1931年。在下面绿色的叶子上写的是画的名字《Sun》。在画面的中心是黄色的向日葵，厚厚的颜料堆砌在一起，有种强烈的视觉对比。这种画法叫（Impastel)。接下来当视觉转移到右边，我们可以看到有个女人躺在摇椅上，那就是弗洛琳本人啦。

事实上，女性艺术家的思想，身心的解放，在艺术家的画笔下表露无疑，就比如出生在美国加利福尼亚一个小城镇，23岁来到纽约扬帆起航自己的艺术事业的苏珊－皓（SusanHall) 笔下的女人.

苏珊·皓（Susan Hall)《New York Portrait》丙烯和石墨铅笔在画布上1970

坐在沙发上的这个霸道的女人，十分的性感妖娆。透明的格子图案元素，被运用在整幅画面的好几处，女人的衣服，玻璃窗户，前面的收音机。这种透明感所制造出的室内空间感与室外纽约的海市蜃楼形成了不一样的鲜明对比与空间延展。命名这幅画，对于苏珊来说不仅仅是因为这个女人在纽约这座大都市里，更意味着，这个衣着时尚的女人代表着这座城的故事：大胆，先锋，年轻，激情。

摄影艺术家维加Weegee(1899-1968)《梦露》Monroe 明胶银版法印像Gelatinsilver print

也许，人物画的魅力就在于它永远不会被“画死”，“聊尽”。它是一种对人性探索的方式，一种了解自己内心，了解别人的途径。人物画，虽然称为“人物”然而它却不仅仅只是展示感官人物形态的画面，更多的是一种传送人物心理，思想。而通过“人物画“，它记录着，流传着，女性的心理变化，女性的社会地位，以及一种女性在每个时代，与时代性对抗的精神。

乔治·贝洛斯（George Bellows）《Dempsey andFirpo》布面油画1924年

乔治·贝洛斯是善于描写运动场景的美国画家。他对摆姿势的肖像画和过于理想化的田园风光不以为然。他认为艺术应该反映真实，特别是城市万象的揭露。乔治·贝洛的作品有热闹喧嚣的一面，也有阴暗险恶的一面，他多角度的再现了都市生活的复杂性。

乔治·贝洛斯到了老年还是充满对艺术创作的激情，这是一种美国式的热情与进取的精神。而从画面中，我们也不难看到，男性与女性之间的反差与比较，柔与刚的对比。

理查德·埃夫登 Richard Avedon(1923-2004)《朵薇玛与象》(Dovimawith Elephants)1955年摄影作品

女性艺术家的身份是困扰的，甚至是压迫的。但在这些被边缘化的女性艺术家笔下，呈现侧重了内心对话和情感独白，这种女性的隐形超能力，成为了她们的优势。对于创作作品时，性别差异相对宽松和自由，但在艺术市场的大环境下，女性艺术家仍然存在着被动边缘化的问题。这种限制下的困难与压力使女性艺术家的创作灵感和艺术视角变得尤为准确和直白。她们也是用了这种特殊的关爱换取了尊重。