李国修丨剧场四大要素

剧场演出的特性是‌“当下发生”，是一种‌“正在进行”的艺术...

作者简介：

李国修（1955—2013）

著名戏剧家，当代华人剧坛少有的多面手，集剧团经营者、剧作家、导演、演员于一身，对台湾现代剧场做出了卓越贡献，有“鬼才”之称，是台湾艺术界最高荣誉文艺奖（戏剧类）的第一届得主。早年参与兰陵剧坊、表演工作坊的创办和演出，与李立群合演的《那一夜，我们说相声》曾引起巨大轰动。1986年创办屏风表演班并担任艺术总监，坚持原创戏剧，搬演台湾本土的生命故事，共创作了《京戏启示录》、《三人行不行》系列等27部剧本。因格外关注戏剧中的悲喜关系，被誉为“台湾的卓别林”。

此外，李国修在戏剧教育方面也耕耘不辍。他独创了一套系统的编剧、导演、表演训练课程，常年在各地举办文艺讲座，在高校开设戏剧课，影响了众多台湾文艺工作者。近年来，我一直在推广‌“流眼泪运动”。我不是要教大家滥情，而是我认为这个社会太过压抑，充满许多负面的情绪，我们应该培养‌“表达自己感性的能力”。我先跟各位分享两个小故事：在台湾有个妇人，因为从小当养女，从小被打骂长大，成长过程中受尽委屈，她就发下重誓，今生不再掉一滴眼泪。后来她被诊断罹患了乳癌，病床上的妇人在临终前告诉儿子她很后悔，因为她现在想要为自己的一生掉一滴眼泪，却哭不出来，医生告诉她，‌“你太久没哭，泪腺已经断了”。

第二个故事是一则旧金山的外电。某家电视台访问一个一百多岁的人瑞有什么长寿的秘诀，这位老爷爷因为年纪太大，由他80岁的女儿代为回答：‌“哪有什么秘诀？我爸爸就是爱哭，他很会处理自己哭泣的情绪。”

哭泣一直以来被视为软弱的象征，尤其是中国人的文化中更有‌“男儿有泪不轻弹”的传统包袱，但哭泣其实是一种抒发情绪很好的方式，可以倾泻心里的垃圾，让自己的负面情绪代谢掉，维持身心的健康。我必须强调，我所提倡的是‌“感性”的眼泪，而不是‌“非理性”的眼泪。所谓的‌“非理性”，可能包含着‌“愤怒”的情绪或是‌“歇斯底里”的情绪，这是不健康的。

‌“流眼泪运动”背后的信念是‌“对生命的热爱”，当你开始关心生活中所发生的一切，你自然会感受到你和周遭的人之间情感开始交流，于是乎悲有所感，欢有所感，离有所感，合有所感，你参与了别人的生命，别人也参与了你的生命。当你有了这样的认知之后，就不会觉得在剧场或电影院里哭是一件丢脸的事，你反倒要哭得很骄傲，因为你终于看懂了剧中角色的生命。我的创作素材来自于对现实生活的体悟与观察，透过作品反映人心与社会现象，这样的创作概念，比较偏向写实主义。在我的认知中，剧场构成的四大要素分别是剧本、表演者、剧场和观众。

‌“剧本”指的是故事，戏剧的本质是冲突，若干个冲突构成事件，若干个事件构成情节，若干段情节串联成故事。

狭义的‌“表演者”指的是演员，但广义地来说，舞台布景、服装、灯光、音乐等一切在剧场里出现的视觉与听觉的调度，都算是表演者。

‌“剧场”指的是演出“发生”的空间，至少包括了表演者演出的舞台和观众席。若以观众席的形式来区分剧场的空间，通常有以下几种剧场：镜框式舞台、单面式观众席、双面式观众席、三面式观众席、四面式观众席、扇形观众席、圆形剧场及环境剧场。若以观众席的数量来区分的话，可分为大型剧场（1000人以上）、中型剧场（300～1000人）和小型剧场（300人以下）。

因剧场演出的特性是‌“当下发生”，是一种‌“正在进行”的艺术，表演者与观众处在同一个时间与空间，观众可以亲眼看见表演者的肢体动作，表演者可以亲耳听见观众的掌声与笑声。所有的互动交流是‌“立即的”，无法被复制取代的，也因此，观众的参与成为演出的一部分。他是相声大师马季在台湾的独门弟子

他是蔡康永、金士杰、林怀民倍加推崇的鬼才艺术家

他主演了《光阴的故事》《那一夜，我们说相声》

大半个台湾演艺圈受惠于他的表演训练法

剧场修行四十载，创作心得尽在本书

欢迎来到戏剧大师李国修的编导演课堂-内容简介-

《李国修编导演教室》是李国修四十年剧场修行笔记，也是完整呈现其一生创作思维、导演理念及表演历程的第一手资料。全书根据李国修编、导、演的教学讲义整理而成，以第一人称撰写，尽量还原其在课堂上的口吻。李国修通过自身的舞台经验、作品范例、人生经历等，系统地阐述了其创作理念。这些理念历经实践的检验，并在失败的教训中不断地得到修正。编剧课上，他深入浅出地示范了“说什么，比怎么说重要”，让剧本回归“人味”；导演课上，他提出“导”引创作概念并整合“演”出元素，倡导永不满足的创作精神和不断建立与推翻的导演风格；表演课上，他主张透过认清第二自我找到正确的生活态度，达到演员与角色的心灵契合。他始终相信，戏剧是一门关于“人”的艺术，无论呈现何种美学形式，其核心都是在探讨人性。因此，本书不仅是一本戏剧创作的实用手册，也能使读者更新对人生的体认。

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