卡拉斯《德利利：钟之歌（拉克美第二幕）及《有关歌剧的知识》——周小静
专辑介绍：u2028u20281970年12月，意大利史卡拉歌剧院启用了全新的灯光系统，为了这座举世最辉煌的歌剧院的这一重要...
专辑介绍：
1970年12月，意大利史卡拉歌剧院启用了全新的灯光系统，为了这座举世最辉煌的歌剧院的这一重要演出设备之启用，史卡拉歌剧院总监葛林盖利请来了已然退隐五年的卡拉丝为开幕剧“西西里的晚祷”揭幕，当晚首席女高音是多次替代卡拉丝而成名的蕾娜妲·史柯朵，不料在该剧演出第一幕结束后，米兰的观众疯狂的喊叫：“卡拉丝…回到舞台上…这舞台是你的…史卡拉歌剧院是你的…你是属于史卡拉的！”；之后，每次幕一落，本该是演出歌手出场谢幕的场面，都被热情的观众呼唤卡拉丝重返史卡拉的呼声所取代，台上的演员尴尬不已，而卡拉丝则动情落泪。这就是卡拉丝的魅力。
历史上有多少歌手能在离开史卡拉剧院多年后，依然被热情、又懂剧的米兰群众视为是他们歌剧艺术的象征，而忘却先前卡拉丝与他们的龌龊（因为在为意大利总理演唱的当晚只唱了半场就称病退演，激怒了史卡拉和全意人民，从此将卡拉丝逐出意大利歌剧圈外），再次拥抱卡拉丝，也忘记了这位女人其实是位希腊籍的歌手，她的母语是英语和希腊语。卡拉丝就是这么特别、难以取代。这位女歌手的声音是称不上完美，但她却能在听她演唱的人的脑海里，用歌声编织出她所饰唱人物的每一个表情和故事背景，这一奇特的天份，让卡拉丝成为歌剧演出史上最难能可贵的完美投射：声音和戏剧完全的融合为一体。
这张“激情卡拉丝”的合辑采取了不同于其他卡拉丝合辑的选曲方向，试图以卡拉丝自己演唱的歌曲，透视这位女高音的一生。让我们透过这多样的歌曲，窥见这位世纪女高音演唱生涯和私人生涯的旅程。在本片一开始，我们听到的是卡拉丝饰唱年轻、纯真女孩的歌声，然后她慢慢成熟，于是我们听到纯真的歌声中开始渴望爱情。而随着年龄渐长，渴望爱情的小女孩开始认识到物质世界的诱惑，希望在上流社会拥有一席之地，于是我们听到她演唱珠宝之歌，也开始懂得调戏异性，于是她演唱了卡门。接着，这位原本纯真的希腊小女孩开始蜕变，从原本肥胖的身材化身为时尚的象征，一下子减掉三十公斤，成为史卡拉歌剧院剧迷心目中的女神，于是她唱出“圣洁女神”。而她对爱情两极态度，也让她如同图兰朵公主一般既向往爱情、又让爱她的人受伤害。然而，这位伟大的女高音一生为爱情和自己的歌唱艺术所投入的心血，既是她的优点、也成了她的致命伤，于是她唱出“为了艺术、为了爱”。到了她生涯的晚期，爱情的背叛，心上人迎娶他人，使她唱出了“美好的一天”，用蝴蝶夫人的心情悲叹终老。而同样的奥纳西斯的一再背叛和另娶杰奎琳·肯尼迪，则如“上苍是多么的过分，那忘恩负义的家伙背叛了我”一样的心情。最后“自杀”和“孤寂、无助、被遗弃”不啻是这位伟大女高音晚年自锁在巴黎寓所中残酷而真实的速写。这张合辑藉这些卡拉丝生前知名的录音来讲述她的一生，并简述她的多样演唱风格，从美声走到写实、也从喜剧、辉煌走到悲剧绝望，这就是卡拉丝的一生。
以上专辑介绍资讯From 豆瓣，感谢原编！
德利利：钟之歌（拉克美第二幕） Lakmé : Air Des Clochettes (Delibes Léo)
德利伯.-.拉克美的剧情简介 · · · · · ·
《拉克美》
三幕歌剧，贡迪内与吉尔里合作编剧，法国作曲家德利伯谱曲，于1881年完稿，被认为是杰出歌剧之一。此剧与《阿伊达》及《蝴蝶夫人》等有很多相似之处，都有着奇异的东方色彩。1883年4月14 日，在巴黎喜剧院首次公演。1886年3月1日，在托马斯指挥下，第一次在纽约大都会歌剧院演出。举世著名的花腔女高音歌剧演唱家李莉·庞斯担任女主角拉克美，轰动全球，是最成功的演出。
剧情取自法国剧作家贡迪内的戏剧《洛蒂的婚礼》：英国军官杰拉尔德与印度婆罗门祭司尼拉坎塔之女拉克美相爱。尼拉坎塔憎恨英国人，趁两人见面之际，拔剑刺伤杰拉尔德。幸得拉克美挽救，杰拉尔德才得以脱险，两人得以相聚。此时英印战争迫在眉睫，杰拉尔德奉命随军出发，拉克美服毒自尽，酿成悲剧。
（以上资料转自：豆瓣）
莫奈 春天的田野 1887年 布面油画 74.3 x 93 cm
（以上图文资料摘自《世界艺术巨匠莫奈》）
歌剧是从什么时候开始出现的呢？确切地说，称作“歌剧”（Opera）的这种音乐体裁，第一次出现是在十六世纪末的意大利佛罗伦萨。当时，有一些文人雅士对古希腊戏剧十分感兴趣，他们尝试着在贵族宫廷里上演这种古老的戏剧，同时，配上一些他们认为是古希腊风格的音乐（真正的古希腊音乐失传了），也就是简单的独唱加上简单的器乐伴奏〔注1〕。
实际上，带有音乐的戏剧。不仅在古希腊有，在中世纪和文艺复兴时期也有。中世纪的教会音乐中，有一种称作“宗教戏剧”（又称作奇迹剧、神剧等）的体裁，它是专门表演圣经故事的，有朗诵，有独唱，有合唱，也有角色和动作表演。文艺复兴时期的“牧歌剧”、“田园剧”也是类似的形式，只是它的内容以表现生活场景为主，例如爱情，饮酒，打猎等等。应该说，它们对于歌剧艺术的诞生都是重要的基础，都有着重要的影响。
音乐史上的第一部真正称为歌剧的作品是《达夫尼》，由诗人里努奇尼（1563－1821）和作曲家佩里（1561－1633）、卡奇尼（1545－1618）创作，1597年上演。可惜这部歌剧没能保留下来。1600年，这三个人又合作写了第二部《尤丽狄西》，它与前一部一样，都是取材于古希腊神话。虽然它们的形式远不如后来的歌剧那么丰富多彩，但对当时的人们来说，这是非常令人喜爱的一种将音乐与戏剧结合的体裁，于是，在不长的三十几年里，歌剧从佛罗伦萨的贵族宫廷里走了出来，变成了大众的艺术。不仅是佛罗伦萨，还有威尼斯、那不勒斯等城市，都建立起了公众歌剧院，据统计，到1700年，仅威尼斯这座小城就有了17家歌剧院，这个数字就是在今天也是惊人的，可见人们对歌剧有多么着迷了。
随之而来的是歌剧形式的变化。一些人极其重视歌唱技艺，他们刻苦钻研歌唱法，于是，大批优秀的歌唱家出现在意大利，成为人们仰慕的明星。还有一些人重视音乐的表现力，他们用各种手段如旋律、节奏、和声、乐队音响等等，来达到感人的目的。也有少数人坚持古希腊戏剧的崇高地位，他们认为音乐的地位不能越过剧本，它只能是陪衬，所以不该过于复杂。不过，音乐在歌剧中的地位还是一天天地提高了，人们越来越认识到，比起念白的剧本来，音乐具有非凡的打动人心的力量。比如蒙特威尔第（1567－1643）创作的歌剧《奥菲欧》〔注2〕
就比佩里和卡奇尼的《尤丽狄西》动人得多，他用音乐渲染了气氛和人物的情感，听上去十分引人入胜。
可偏颇也随之而来了：为了获得绝妙的声音，人们甚至不惜违反自然地将一些拥有甜美歌喉的小男孩作了阉割手术，这样的结果是，他们长大后会同时具有女高音的音域、灵敏，和男子的肺活量。由于手术条件不好，有不少男孩子死在了这种手术中。那些成功的，有些的确成为音乐史上对声乐演唱艺术作出了重大贡献的大师。但是从歌剧本身的健康发展上来看，过于追求声乐演唱技巧是不正确的，因为这使人们只是听到了绝妙的歌喉，而情感内涵却被忽视了。还有些作曲家过于沉迷于音乐的魅力，他们把唱段写得极其华丽，把声部弄得极其复杂，而对剧本中的深刻寓意却不在意。
可以说，自从歌剧诞生以来，有两对矛盾始终存在着，一是剧本和音乐的矛盾——以剧本为主，音乐只是作它的侍女，还是以音乐的自律为主，剧本只是故事骨架；二是歌唱技巧与乐队作用的矛盾——是以歌唱为主，乐队只是衬托红花的绿叶，还是让乐队担负表达人物感情和剧情气氛的重要作用。第一个矛盾在歌剧诞生初期就出现了，第二个矛盾是在以后的发展中逐渐突出的。而这两对矛盾正是歌剧发展的推动力：由于作曲家对它们所持观点不同，因而产生了歌剧发展史上的不同流派，不同风格，也因而产生了各具特色的歌剧作品，形成了歌剧世界的多姿多彩。
（二）歌剧类型与流派 （附名词简释）
正歌剧（opera seria）盛行于十七世纪的题材重大严肃、音乐风格崇高华丽、讲求歌唱技巧的歌剧。
歌唱芭蕾剧（opera-ballet）十七、十八世纪盛行于法国的歌唱与舞蹈并重的体裁。
喜歌剧（opera buffa）又称“谐歌剧”，和正歌剧相对立的歌剧种类。盛行于十八世纪。题材取自日常生活，音乐风格轻快幽默。
大歌剧（grand opera）盛行于19世纪的法国。多采用历史题材，具有史诗性，音乐风格华丽恢宏，场面较一般歌剧大，常常插入芭蕾舞。
轻歌剧（operetta）又称作小歌剧。盛行于十九世纪的法国。常常带有对白，音乐风格轻快幽默，有时又比较抒情。
乐剧（music drama）十九世纪德国作曲家瓦格纳对自己歌剧作品的称谓。他以此表示他对乐队以及戏剧、舞台设计等因素的高度重视，强调歌剧的“综合艺术”特性，而不像其他作曲家那样把歌唱放在首要位置。
音乐剧（musical comedy ）音乐剧，也称作“音乐喜剧”，或者更确切地称为“美国音乐剧”。十九世纪末发源于美国的百老汇（Broadway,美国纽约的娱乐中心、戏剧活动的重要阵地）。内容从轻松幽默的到严肃深刻的都有，但常常与现实生活有密切的联系。音乐风格较为通俗，有时是融合了严肃和通俗音乐风格的混和体。
歌剧－清唱剧（opera-oratorio）将歌剧和清唱剧（包括独唱、合唱和乐队的一种古老的音乐体裁，与歌剧不同之处是静态的表演方式——演员没有戏剧性的动作，并且以宗教题材为主要内容）题材混和而成的体裁，近代俄国作曲家斯特拉文斯基对自己作品《俄狄普斯王》的称谓。
〔注〕在实际作品中，歌剧的类型常常是混合的，因此有些作品不能简单地归于某一种类型。
古典主义歌剧 （Classical Opera）在题材上力求贴近人心，强调歌剧音乐与戏剧内容更加紧密的结合。旋律简洁明快，乐队的重要性得到重视，并去掉了“数字低音”写法。以格鲁克、莫扎特、贝多芬的歌剧为典型作品。
浪漫主义歌剧 （Romantic Opera）因风格多元化而难以概括。总的来说是追求抒情性，以表达人物情感为主旨。代表作曲家有意大利的罗西尼、贝利尼、多尼采第、威尔第以及法国的马斯涅、古诺，德国的瓦格纳、俄国的柴科夫斯基等人（意大利的普契尼也可归于这一类）。
民族主义歌剧 （Nationalist Opera ）是十九世纪民族主义运动的产物。作曲家力求表现本民族的文化，在歌剧题材上多选择民族历史故事或民间传说，音乐写作中融入民间音乐因素，有时采用地道的民歌、民间舞曲。代表作曲家是德国的威柏、俄国的格林卡、莫索尔斯基、捷克的斯美塔纳等人（柴科夫斯基虽然不属于典型的民族乐派作曲家，但他的作品中也有明显的民族特色）。
真实主义歌剧 （Verismo Opera）采用当代题材，反映真实生活，尤其是下层贫苦人民的悲惨生活。代表作曲家是意大利的马斯卡尼和莱翁卡瓦洛（普契尼和法国作曲家比才的作品在某种程度上也可归于这一类）。
印象主义歌剧 （Impressionistic Opera）也可以称作“象征主义歌剧”，实际上此种风格只是反映在法国作曲家德彪西唯一的歌剧《佩利亚斯与梅丽桑德》中。音乐细腻而富于诗意，追求表现人物内心微妙的感受。歌唱部分带有半朗诵性质，避免夸张的舞台表演和戏剧性效果。
表现主义歌剧 （Expressionist Opera）以奥地利表现主义作曲家贝尔格的歌剧《沃采克》为典型作品。以表现人物与社会不可调解的矛盾以及心理状态的披露、剖析为主旨。采用无调性作曲手法（英国作曲家布里顿的歌剧《旋螺丝》、《彼得 格里姆斯》也带有这种特征）。
〔注〕歌剧作品的流派风格和类型一样，常常是混合的，因此有些作品兼有几种特性。
间奏曲（intermezzo）在歌剧各场间由管弦乐队演奏的音乐。有些较为独立完整的间奏曲也会出现在音乐会上。
咏叹调（aria）歌剧中的独唱段落，用来抒发人物情感、表现演唱技巧。是歌剧中最为重要的歌唱形式。
宣叙调（recitative）又译作朗诵调，是歌剧中用来对话和叙述剧情的、介于歌唱和朗诵之间的独唱段落。在17、18世纪歌剧中，宣叙调和咏叹调是有明确区别的，通常是在宣叙调之后，才出现大段的咏叹调，但后来这两者的界限逐渐被打破了，宣叙调加强了歌唱性，咏叹调也带有了朗诵的性质。
谣唱曲（cavatina）也译作卡瓦蒂那，是咏叹调的一种，它较为短小，结构上是单段性质的（咏叹调 aria常常是带有返始的三段体）。
重唱分为二重唱（duet）、三重唱（terzetto）、四重唱（quartet）、五重唱（quintet）、六重唱（sextet）、七重唱（septet）、八重唱（octet）。重唱在歌剧中是十分有效的手法，它可以使几个人同时用各自的特性音调歌唱，或表现同一内容，或表现完全不同的内容，造成生动的戏剧性和立体化的效果。
合唱（chorus）歌剧中的合唱往往能够造成戏剧高潮，烘托出宏伟的热烈的气氛，并与细腻抒情的独唱造成对比效果。有些歌剧中的合唱曲成为音乐会上重要的曲目。
主导动机（leitmotiv）在歌剧中作为某一人物、某种事件、观念或者象征某种物件的音乐动机，它是鲜明的“标签”，作曲家通过它的反复出现来昭示剧情的发展。瓦格纳是最喜欢并擅长使用主导动机的作曲家，此外威柏、理查 斯特劳斯等人也运用这种手法。柏辽兹把这种手法用于交响曲中，称之为“固定乐思”（idee fixe）。
舞曲（dance）在歌剧中常有舞蹈场面插入，这些舞曲有些是独立完整的，因此常常在音乐会上演奏。在早期歌剧中（尤其是法国歌剧），为了迎合人们的趣味，常常加入与剧情并无多大关联的舞蹈场面，后来通过改革，舞蹈场面和剧情有了紧密的联系，它成为歌剧的有机组成部分（也有许多歌剧没有舞蹈场面）。
点击左下方“阅读原文”可返回本公众号的目录
（如需更便捷地浏览目录，请在目录页面点击屏幕右上方的“...”，选择“在Safari中打开”即可）
关注 古典音乐歌剧及艺术歌曲
微信扫一扫关注公众号
